"La Vida es Sueño"

1.-Breve resumen del contenido:

1.1.-Argumento de la obra:

Basilio, rey de Polonia, aficionado a la astrología, consulta a las estrellas y descubre malos presagios: su hijo va a nacer será malvado y un tirano. Cuando su mujer da a luz, Basilio lo encierra en una torre. Allí, Segismundo (nombre del príncipe) vive encadenado y vestido con pieles, como un salvaje, sin saber quién es en realidad. Un día, Basilio para comprobar si los malos presagios eran ciertos, droga a Segismundo y lo lleva a la corte; Segismundo se despierta vestido como un príncipe en un lugar que no conoce, y cuando le dicen que es el heredero de Polonia insulta a los cortesanos e incluso intenta matarlos. Basilio ve en este comportamiento la confirmación de los malos augurios, manda drogar otra vez a Segismundo y lo devuelve a la torre. Cuando Segismundo despierta, cree que todo lo que ha vivido ha sido un sueño. Sin embargo, el pueblo se subleva contra Basilio, exigiendo que el trono vaya a parar al legítimo heredero, y Segismundo es liberado. Se produce un enfrentamiento entre las tropas del rey y las del príncipe, venciendo las de este último. Segismundo renuncia a vengarse de su padre y en vez de matarlo, se postra a sus pies demostrando así ser un verdadero rey. Su padre acepta y reconoce en él su verdadera estirpe de Rey y le cede la corona.

De forma paralela se desarrolla la historia de Rosaura, que se dirige a la corte de Polonia para vengarse de su prometido que la abandonó Astolfo para casarse con Estrella (prima de Segismundo) y conseguir el tono. La llegada de Rosaura y su escudero Clarín hace que cambien las cosas. Rosaura es hija de Clotaldo (persona de confianza del rey encargado de la reclusión de Segismundo) que se da cuenta de que es su hija al principio de la obra debido a una espada que ésta llevaba y lo mantiene en secreto hasta el final que es cuando lo desvela.

La obra finaliza con el matrimonio de Rosaura y Astolfo, y Segismundo se casa con Estrella.

1.2.-Resumen por jornadas:

Jornada primera:

Rosaura acompañada de Clarín, su escudero, se dirige a la corte de Polonia portando una espada que fue del padre que no conoció para vengarse de su prometido Astolfo que la abandonó. Llegando a Polonia, al anochecer, vislumbra una luz y llega a la torre en la que está encerrado desde su nacimiento Segismundo. Clotaldo, encargado de la reclusión de Segismundo descubre a Rosaura y a Clarín, y los detiene para llevarlos ante el rey, pues nadie debía saber de la existencia de Segismundo. Al reconocer la espada de Rosaura, Clotaldo se da cuenta de que ella es su hija, y se debate entre cumplir su deber y salvar a su descendiente. Por si acaso, no le dice nada a Rosaura acerca del parentesco entre ambos.

Jornada segunda:

En la segunda jornada se desvela la razón por la que Segismundo está encerrado en una torre desde que nació: antes de nacer se predijo que sería un rey cruel, por lo que su padre, Basilio, decidió encerrarlo. Basilio ha ideado un engaño para ver si Segismundo era verdad; le traen drogado a palacio y le permiten ver cual sería su destino, pero guardándose la posibilidad de hacerle creer que todo fue un sueño, en caso de que se demuestre malvado. Segismundo se comporta como un príncipe déspota tirando un criado por la ventana al poco de despertar, intenta forzar a Rosaura, hiere a Clotaldo que sale en ayuda de su hija, y se enzarza en una pelea a espada con Astolfo. En vista del comportamiento, el rey Basilio decide volver a drogarlo y llevarlo de vuelta a la torre. Astolfo corteja a Estrella, pues con su unión compartirían la sucesión en lugar de competir por ella, una vez que Segismundo ha quedado fuera de juego. Astolfo reconoce a Rosaura (que se hace llamar Astrea), y rompen definitivamente.

Jornada tercera:

El pueblo de Polonia, al saber que tiene un príncipe heredero, organiza una revuelta y libera a Segismundo de su torre. Segismundo libera a Clotaldo permitiéndole ir con el rey y demostrando que ha recapacitado sobre su comportamiento. Rosaura quiere matar a Astolfo y le cuenta las razones a su padre primero y a Segismundo después. Las tropas del Rey y las del príncipe se enfrentan y vencen las de Segismundo, el Rey se pone en manos de Segismundo, pero este se postra ante los pies del Rey. En vista de la generosa actitud de Segismundo el Rey le deja el trono. Ya como rey, Segismundo decide que Astolfo cumpla su promesa con Rosaura, mientras que él mismo se promete a su prima Estrella.

2.-Determinación del tema y partes de la obra:

El tema fundamental de la obra es la libertad del hombre para escoger su destino. Este tema se pone de manifiesto en el gran monólogo de Segismundo. La comparación de la vida con un sueño se relaciona con el tema de la apariencia y la realidad, y, en definitiva con el sentimiento de la inconsistencia de la vida.

Pero a la obra la secundan una serie de temas menos significativos, como pueden ser el honor (que vemos manifestado en Rosaura), el abuso del poder y el amor, siendo unos temas muy recurrentes en la época.

La estructura externa del libro está compuesta por tres jornadas, las cuales a su vez están formadas por diversas escenas.

En el teatro de Calderón predomina la unidad de acción. Pero “La Vida es Sueño” podría considerarse como una excepción ya que presenta una doble trama:

-La historia de Segismundo, considerada la acción principal.

-La historia de Rosaura, la acción secundaria.

Esta doble trama no rompe la unidad de la obra ya que discurren paralelas y cabe destacar que ciertos personajes se hallan implicados en las dos tramas.

La estructura interna de la obra se corresponde con la división en: planteamiento, nudo y desenlace. La estructura interna de la obra coincide con la estructura externa de la obra. Esto es que cada una de las tres jornadas coincide con una parte de la estructura:

-Planteamiento (jornada primera): se nos presenta la acción principal (encierro de Segismundo en una torre) y una paralela a ella (la deshonra de Rosaura) mediante el encuentro de Rosaura y Segismundo en dicha torre.

-Nudo (jornada segunda): desarrollo de las dos acciones; la principal nos cuenta cómo Basilio libera a Segismundo para saber su comportamiento, y al ver que es tiránico, lo vuelve a encerrar. La secundaria nos cuenta cómo Rosaura entra en el palacio y se hace pasar por la dama de Estrella.

-Desenlace (jornada tercera): el pueblo se entera de lo sucedido, libera a Segismundo e inicia una lucha contra Basilio. Mientras tanto, Rosaura no encuentra otra solución más que matar a Astolfo para recuperar su honra.

3.-Comentario crítico del contenido:

“La vida es sueño” es una comedia escrita por Calderón de la Barca durante el siglo XVII (época del barroco).
En ésta obra podemos estudiar todos los rasgos estructurales de la comedia española del Siglo de Ora: ausencia de las unidades de acción, tiempo y lugar, mezcla de lo cómico y lo grave... La historia es una representación del pensamiento barroco, y contiene tanto artificios culteranos como sutilezas conceptistas. “La vida es sueño” constituye una síntesis del estilo del Calderón. Un rasgo capital de su estilo es la argumentación lógica en diálogos y parlamentos. En la obra llama la atención el empleo de las comparaciones: compara a Segismundo con el volcán Etna y con un minotauro. En la obra también hay momentos líricos, como son los de grandes monólogos de Segismundo. A través de ellos, el autor pone en boca de Segismundo sus ideas y pensamientos.
La historia se desarrolla en Polonia, pero el autor no dice una zona concreta, lo que le da una gran libertad creadora. El autor lleva a cabo casi toda la trama principalmente en dos escenarios: la Torre y el Palacio del Rey. La obra es lineal, no hay saltos en el tiempo, excepto cuando algún personaje recuerda algo del pasado. El autor no dice el tiempo que transcurre.
Los diálogos son muy importantes ya que la obra está escrita casi entera de esta manera, Calderón utiliza escasas veces la narración. Gracias a los diálogos el autor nos va dando a conocer todo sobre la obra. Todos los personajes utilizan el mismo habla.

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Quevedo y el conceptismo

4.1.-Definición de conceptismo:

El conceptismo es una corriente literaria que se basa en las asociaciones ingeniosas de ideas, palabras y conceptos. Se escribe para unos pocos privilegiados, pero no se busca la dificultad mediante palabras difíciles sino mediante el doble sentido de las palabras. El conceptista considera un ideal el decir muchas cosas en pocas palabras. Son frecuentes los juegos de palabras por medio de dilogías, de la paranomasia y de retruécanos.

4.2.-Biografía de Quevedo:

Quevedo nació en Madrid en el año 1580 en una familia perteneciente a la aristocracia cortesana. Estudió con los jesuitas antes de asistir a las universidades de Alcalá, para estudiar lenguas clásicas y modernas, y a la de Valladolid, para estudiar teología. Fue en esta última ciudad donde se estrenó como cortesano y poeta. Se trasladó a Nápoles acompañando al duque de Osuna y ocupó el cargo de secretario de hacienda. Al morir Osuna es desterrado, pero con la muerte de Felipe III, vuelve de nuevo a la corte. A los cincuenta y cuatro años se casó con una viuda rica, de la que se separó al poco tiempo. Acusado de ser el autor de un poema contra el conde-duque de Olivares es encarcelado en León. A la caída del valido del rey es liberado y se va a vivir a su Torre de Juan Abad. Poco después muere en Villanueva de los Infantes en 1645.

4.3.-Clasificación de su obra:

La obra poética de Quevedo consta de novecientas poesías, que se recogen en dos volúmenes: El parnaso español y musas castellanas (1648) y Las tres últimas musas castellanas (1670). Generalmente su obra se puede dividir en tres grupos: la poesía filosófica, religiosa y política, la amorosa y la satírico-burlesca.

- Poesía filosófica, religiosa y política: En este tipo de poesía es dónde aparece de modo más evidente el tema del desengaño. En estos poemas la fugacidad de la vida, la continua amenaza de la muerte o el deseo de recuperación del sentido ético en España, reflejan un enorme pesimismo y desolación. Aunque más importante que los temas es el tratamiento que reciben; es una poesía con densidad expresiva y de significado.

- Poesía amorosa: La parte más importante de su poesía es la amorosa. Quevedo ve en el amor, el modo de superar la angustia de la muerte, este sentimiento lo refleja en el poema “Cerrar podrá mis ojos la postrera sombra…”. Sin embargo, el amor se representará como dolor y conflicto; se le impone el desengaño.

- Poesía satírico-burlesca: Se tratan temas que van desde los asuntos más graves a los más insignificantes. Si Góngora eleva la realidad a lo bello y lo sublime, Quevedo la derriba, la degrada, la ridiculiza. Sus sátiras son en parte un desahogo frente al desengaño que le produce la realidad, con ellas se dirige contra la ambición, el poder del dinero e incluso el amor. También está la sátira política con la que critica la situación de España. Dentro del grupo de la poesía satírico-burlesca se incluyen las poesías dedicadas a Góngora, con el que mantuvo fuertes enfrentamientos literarios y personales.

4.4.-La poesía de Quevedo: Lengua y estilo:

Quevedo es quién mejor refleja los contrastes característicos del Barroco. En él se hallan representados los sentimientos más contradictorios del ser humano, lo que otorga una modernidad y un valor universal a su obra. Supo, asimismo, asimilar la cultura de su tiempo como problema personal, y esto hará que a su vez la característica más destacada de su poesía consista en la fusión de las corrientes más opuestas: realismo e idealismo, delicadeza y chabacanería grosera, vulgarismo y aristocracia.

La poesía de Quevedo supone la máxima expresión del llamado “estilo conceptista”, que consiste en decir el mayor número de cosas con el menor número de palabras posible. Su originalidad no está sólo en los temas que trata sino en el uso especial que hace de la lengua y en la experimentación de nuevos recursos expresivos. Quevedo usa metáforas originales bien con una finalidad embellecedora o degradante. También realiza un empleo inusual de los diferentes tipos de palabras y abundan los juegos de palabras basados en la hipérbole o exageración, la antítesis, paradojas y paranomasias. Todo ésto ayudado por un manejo de la sintaxis y el vocabulario, le permiten encerrar en el estrecho margen de un endecasílabo frases enteras que se acumulan a lo largo del poema.

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Góngora y el culteranismo

3.1.-Temas y formas en la literatura barroca:

Los temas tratados en la literatura barroca son muy variados y se inspiran en los temas del Renacimiento, pero con cambios que hacen que sean totalmente diferentes. El tema principal es el desengaño que dará lugar a la sátira política, a la crítica de elementos como el dinero, la ambición y el poder, y a la parodia de los temas renacentistas, que se convierten en juegos retóricos y conceptuales. Debido a este desengaño aparece una nueva visión del mundo mucho más pesimista y aparece la idea de fugacidad del tiempo, que hace que se conciba la existencia humana como algo sumamente efímero. La naturaleza pierde la armonía e idealización que tenía en el Renacimiento, y se convierte en un fondo decorativo. Al tratar el tema del amor se siguen manteniendo las ideas del petrarquismo, aunque se le añade la sensualidad, el recargamiento en la pasión y el tono de desesperación. Como en el Barroco son normales los contrastes, el interés por la vida y el amor lleva aparejado el tema de la muerte.

3.2.-Definición del culteranismo:

El culteranismo es una corriente literaria que se preocupa sobre todo por la expresión. Consiste en la exageración artificiosa del lenguaje y de los recursos literarios con el fin de crear un mundo de belleza absoluta y para el deleite de una minoría culta. La metáfora es la base de la poesía culterana. En el culteranismo se produce una latinización del lenguaje.

3.3.-Biografía de Góngora:

Luís de Góngora fue un poeta y dramaturgo nacido en Córdoba en 1561. Fue el máximo exponente del culteranismo, también conocido como gongorismo Estudió en Salamanca y fue canónigo beneficiado de la catedral cordobesa. Felipe III le nombró capellán real. Murió en 1627 en Córdoba gravemente enfermo.

3.4.-Clasificación de su obra:

La obra poética de Góngora puede dividirse en dos grupos: por un lado las composiciones de inspiración popular; y por otro su poesía cultista.

También se podría hacer otra división según la actitud del poeta: poesía de carácter burlesco y poesía de búsqueda de la belleza. También se cree que tiene dos épocas en sus composiciones: la del “príncipe de la luz”, que era el poeta fácil, sencillo, popular, autor de romances y letrillas; y la del “príncipe de las tinieblas”, autor de poemas extravagantes, oscuros, inteligibles, carentes de sentido, como el “Polifemo”, las “Soledades” y el “Panegírico al duque de Lerma”.

Los poemas más importantes de inspiración popular son las letrillas y romances: moriscos, amorosos, pastoriles y caballerescos. La belleza de sus poemas se debe a que utiliza recursos propios de la lírica popular con los artificiosos del barroco. Las letrillas varían entre lo sentimental y lo satírico. Junto con Lope de Vega, es el cultivador del Romancero nuevo o artístico.

En su poesía cultista destacan los sonetos, que tienen gran belleza y perfección formal. Sus composiciones con mayor belleza son los sonetos sobre el amor y en los que elogia a personajes ilustres.

En los poemas el “Polifemo” y las “Soledades” es donde el estilo culterano llega a su máxima complicación y efectismo:
Las “Soledades” iba a ser un poema en silvas, dividido en cuatro partes, correspondientes cada una, alegóricamente, a una edad de la vida humana y a una estación del año, y serían llamadas “Soledad de los campos”, “Soledad de las riberas”, “Soledad de las selvas” y “Soledad del yermo”. Pero Góngora sólo compuso la dedicatoria al Duque de Béjar y las dos primeras, dejando sin terminar la segunda.
La “Fábula de Polifemo y Galatea” está escrita en octavas reales. Es la recreación más perfecta de una fábula mitológica en la poesía española. Narra la pasión del cícople Polifemo por la ninfa Galatea, y el enfurecimiento de éste al conocer los amores de Galatea con Acis, celoso, el cíclope lanza una piedra a Acis que queda convertido en río. Es un poema de construcción perfecta, con muchas imágenes y metáforas. Hay contraste entre la belleza de las descripciones y la expresión de lo terrible.

3.5.-La poesía de Góngora: Lengua y estilo:

Góngora quería crear un mundo de belleza mediante la sustitución de la realidad por elementos de mayor sentido estético. Utilizaba muchos cultismos que le dan a la lengua otro valor fonético y belleza sensorial. Góngora también utilizaba el hipérbaton y buscaba significados cultos en palabras vulgares. También eran frecuentes las referencias a temas mitológicos. Pero el recurso más característico del autor es la metáfora, con la que llega a convertir las cosas más vulgares en objetos de alto valor estético. El resultado es una poesía difícil en la que lo importante es el goce estético que produce la bella palabra y los elementos sensoriales del lenguaje. Todo ello completado, sin embargo, con un uso conjunto de elementos populares con alto sentido poético.

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Cervantes y "El Quijote"

2.1.-Biografía:

Miguel de Cervantes nació en Alcalá de Henares en 1547. Fue un novelista, poeta y dramaturgo español que es conocido universalmente sobre todo por haber escrito “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”. Está considerado la máxima figura de la literatura española. Era judío y recibió una formación humanista. Su padre era cirujano, lo que hizo que se trasladara a muchas ciudades. Con más o menos veinte años se fue a Italia y entró en el ejército. Participó en la batalla de Lepanto en la que perdió su mano izquierda, por eso también se le conoce como el “Manco de Lepanto”. Regresando a España, unos piratas apresan su barco y estuvo en cautiverio en Argel durante cinco años. Quedó libre cuando unos frailes trinitarios pagaron por él un rescate. A su regreso a Madrid se encontró a su familia en la ruina. Se casó con Catalina de Salazar y Palacios y tuvo una hija, Isabel de Saavedra. Víctima de una estafa, es encarcelado en Sevilla. Murió en Madrid en el año 1616.

2.2.-Clasificación de su obra:

Miguel de Cervantes cultivó los tres grandes géneros literarios (poesía, teatro y novela) con el mismo empeño, aunque con resultados bien distintos: fue menospreciado como poeta, cuestionado como dramaturgo y admirado como novelista.

2.2.1.-Poesía:

Su obra poética está integrada por numerosas composiciones sueltas, normalmente de circunstancias (conmemorativas, fúnebres, laudatorias o satírico-burlescas), y por un largo poema con perfiles autobiográficos, el “Viaje del Parnaso”, que es el único poema narrativo extenso de Cervantes. Se han perdido o no se han identificado la mayoría de los versos que no estaban incluidos en sus novelas o en sus obras teatrales. Inicia su obra poética con las cuatro composiciones dedicadas a “Exequias de la reina Isabel de Valois”. Como poeta destacó en el tono cómico y satírico, y sus obras maestras son los sonetos “Un valentón de espátula y greguesco” y “Al túmulo del rey Felipe II”.

2.2.2.-Teatro:

El teatro fue la gran vocación de Cervantes. Poseía un fin moral, incluía personajes alegóricos y procuraba someterse a las tres unidades aristotélicas de acción, tiempo y lugar. El éxito de su teatro, que lo tuvo, fue efímero ante el triunfo de la nueva fórmula dramática de Lope de Vega, más audaz y moderna que la suya. Existe una interconexión entre el mundo teatral y el narrativo de Cervantes. El teatro de Cervantes se puede dividir en dos grupos: las comedias y tragedias, y los entremeses.

El entremés es el género dramático donde luce en todo su esplendor el genio dramático de Cervantes. Fue el primero en publicarlos firmados como suyos ya que desde el primer cuarto del siglo XVI ningún autor lo había hecho.

Cervantes reunió sus obras no representadas en “Ocho comedias y ocho entremeses nunca representados”.

2.2.3.-Novela:

Cervantes está considerado por todos como el creador de la novela moderna. En este campo lograron cuajar sus títulos más grandiosos: “La Galatea”, “El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha”, “las Novelas ejemplares”, “la Segunda parte del ingenioso caballero” y, póstumamente, la “Historia de los trabajos de Persiles y Sigismunda”. Fue capaz de renovar todos los géneros narrativos de su tiempo (caballeresca, pastoril, picaresca, etc.), y ésto lo hizo con su indudable genio creativo, pues la novela se entendía entonces a la italiana como relato breve, exento de retórica y de mayor trascendencia.

2.3.-Las “novelas ejemplares”:

Las “novelas ejemplares”, son un conjunto de doce novelas cortas que siguen el modelo establecido en Italia. Se denominan ejemplares debido a que son el primer ejemplo en castellano de este tipo de novelas, y también porque en todas ellas puede encontrarse algún ejemplo moralmente provechoso. Se suelen dividir en dos grupos: las de carácter idealista, y las de carácter realista.

Las de carácter idealista tienen mayor influencia de los modelos italianos. Se caracteriza por tratar temas amorosos con gran abundancia de acontecimientos y por el escaso reflejo de la realidad, hay un predominio de la fantasía. A este grupo pertenecen: “El amante liberal”, “Las dos doncellas”, “La española inglesa”, “La señora Cornelia” y “La fuerza de la sangre”.

En las de carácter realista, Cervantes se centra más en la descripción de ambientes y personajes realistas, muchas veces con intención crítica, que en los temas amorosos. De este grupo los relatos más destacados son: “Rinconete y Cotadillo”, “El licenciado Vidriera” (relato de Cervantes que más se parece a “El Quijote”), “El coloquio de los perros”, “La Gitanilla” o “La ilustre fregona”.

La separación entre los dos grupos no es estricta ya que, por ejemplo, en las novelas realistas nos podemos encontrar elementos idealistas.

2.4.-“El Quijote”:

2.4.1.-Resumen o argumento:

“El Quijote” narra la historia de un hidalgo manchego, Alonso Quijano, que de tanto leer libros de caballería enloquece y se cree un caballero andante. Con el nombre de don Quijote de la Mancha, sale su aldea en busca de aventuras y con el propósito de luchar contra las injusticias y defender a los débiles. Su gran amor y a quien honrará sus victorias será Dulcinea de Toboso, sobrenombre de una aldeana llamada Aldonza Lorenzo. En total realiza tres salidas en las que al chocar su propia ficción con la realidad, don Quijote sale mal parado. La primera acaba con una paliza que le dan unos mercaderes y con la quema de los libros de caballería por parte del cura del pueblo. Pero don Quijote se vuelve a escapar y se inicia una nueva salida, pero estaba vez acompañado por Sancho Panza, un escudero paisano suyo. Le suceden varias aventuras: la de los molinos de viento, la del rebaño de ovejas, la del yelmo de Mambrino, la de los galeotes. El hidalgo le manda una carta a Dulcineal, acción por la que el cura y el barbero del pueblo descubren su paradero y consiguen llevarlo de nuevo a casa engañado. En su última salida también vive muchas aventuras: Combate con el Caballero de los espejos (el bachiller del pueblo, Sansón Carrasco) al que vence, también se enfrenta con unos leones, baja a la cueva de Montesinos y llega a la corte de los Duques, quienes se ríen de su locura e ignorancia, por último va a Barcelona donde pelea con el caballero de la Blanca Luna (que es de nuevo el bachiller), pero esta vez es derrotado. Vencido y desilusionado vuelve al pueblo, recobra la razón y muere.

2.4.2.-Estudio de la obra:

La obra se halla estructurada formalmente en dos partes, y su acción se organiza en torno a las tres salidas de don Quijote. Las dos primeras se narran en la primera parte, y la última, en la segunda. La acción narrativa sigue un riguroso orden cronológico, y ofrece un mayor dinamismo en la primera parte, mientras que en la segunda se muestra una mayor madurez.

La primera salida va desde el capítulo I al VI de la primera parte

La segunda salida va desde el capítulo VII al LII de la primera parte. Cervantes introduce unas historias que no tienen nada que ver con la acción que interrumpen la acción principal del libro, con lo que se deduce que Cervantes no quería aburrir y cansar al lector con una única narración sostenida por las aventuras de su héroe. Sin embargo, el riesgo de comprometer el curso natural de la novela hizo que en la segunda parte dejara de intercalar nuevos relatos.

La tercera salida se narra en los setenta y cuatro capítulos que constituyen la segunda parte.

2.4.3.-Idealismo y realismo en Cervantes:

En esta novela, está presente tanto la realidad como la fantasía ya que está envuelta en un ambiente y circunstancias realistas que son vistas como fantasía por el personaje principal. El solo hecho de que se hable de un lugar geográficamente existente, que puede o bien pudo haber sido como se describe en el Quijote, reseña a la novela en una época y lugar muy real, que pueden ser considerados como la parte realista de la novela.

La dualidad respecto a los personajes representa a la vez la dualidad realismo-imaginación. Don Quijote representa el idealismo, es un personaje que no distingue la realidad y la ficción, transforma la realidad para acomodarla a su ficción, que pone de manifiesto su locura e idealismo. Sancho Panza representa el contrapunto a ese idealismo, el realismo. Al final, el contacto entre ambos personajes hace que don Quijote sea un poco más realista y Sancho, un poco más idealista.

2.4.4.-El estilo:

“El Quijote” no posee un estilo uniforme, sino que es polifónico. En él se combinan todos los niveles de la lengua, cada personaje utiliza un lenguaje adaptado a su condición social y a la situación en la que se encuentra, a veces incluso se mezclan los estilos en un mismo personaje. Esto ocurre en don Quijote debido a su locura, ya que utiliza un lenguaje culto y un tanto arcaizante cuando ejerce de caballero; y un lenguaje coloquial cuando no trata temas caballeresco. Por otro lado, Sancho emplea un lenguaje más popular, lleno de refranes y proverbios, y en algunas ocasiones de incorrecciones. Pero a medida que la obra transcurre, debido a la gran influencia mutua que existe, don Quijote va introduciendo algunas expresiones coloquiales y el uso de refranes en su vocabulario. De igual modo, Sancho, gracias a las correcciones del Quijote va perfeccionando su habla. El lenguaje utilizado por el narrador es un lenguaje intermedio: ni muy refinado, ni demasiado popular.

La obra tiene un estilo sencillo y llano. El autor huye de la artificiosidad y de la afectación, esto no quiere decir que no emplee figuras retóricas como la ironía, los juegos de palabras y las antítesis. También hay que destacar el empleo que Cervantes hace de los diálogos.

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El Barroco

Se entiende por Barroco al estilo artístico y literario extendido por Europa en el siglo XVII y comienzos del XVIII, caracterizado por el recargamiento y la abundancia de adornos y elementos.

1.-Contexto histórico:

El siglo XVII fue para España un periodo de grave crisis política, militar, económica y social que terminó por convertir a España en una potencia de segundo rango dentro de Europa. Felipe III, Felipe IV y Carlos II dejaron el gobierno de la nación en manos de validos, entre los que destacaron el duque de Lerma y el conde-duque de Olivares.
En la guerra de los Treinta Años España sufrió graves derrotas militares. Francia aprovechó la debilidad militar española y ejerció una continua presión expansionista sobre los territorios europeos españoles. Como consecuencia de esta presión, España perdió buena parte de sus posesiones en Europa.Con respecto a la política interior, el duque de Lerma procedió a la expulsión de los moriscos que unida a la gran mortalidad producida por las guerras, el hambre y la peste produjeron una crisis demográfica. Posteriormente, la política centralista del conde-duque de Olivares provocó numerosas sublevaciones en Cataluña, Portugal, Andalucía y en Italia. La sublevación portuguesa terminó con la independencia de este país.
La sociedad española era una sociedad dividida; por un lado la nobleza y el clero conservaron tierras y privilegios, mientras que los campesinos sufrieron la crisis económica. La miseria provocó un aumento de la delincuencia y la mendicidad.

2.-Características artísticas:

En el Barroco se pierde la confianza en los ideales renacentistas.Una palabra clave es el desengaño que da una concepción negativa del mundo y de la vida, a diferencia del idealismo renacentista con su amor a la vida y su visión armónica del mundo.

Frente al equilibrio y la mesura renacentista, hay un gusto por la desmesura y la exageración, usando un estilo complicado y difícil de entender. El escritor barroco rechaza la sencillez expresiva, que se consideraba la manifestación de lo natural, y elabora una lengua literaria bella por ser culta y sensorial, difícil y complicad, hay una abundante ornamentación. El empleo de los contrastes ayuda a dar un efecto de desequilibrio.

Los artistas intentan provocar una reacción en la sensibilidad, la inteligencia y en los sentimientos del receptor; por medio del efectismo y de las creaciones originales. El objetivo es conseguir sorprender.

Mientras que el Renacimiento se basaba en modelos clásicos; el Barroco los tiene como fuente estética y temática, pero lo importante es el desarrollo de la individualidad y creatividad del artista.

3.-Corrientes literarias barrocas:

3.1.-Culteranismo:

El culteranismo predominó en poesía y su mayor representante fue Luís de Góngora. Se preocupa sobre todo por la expresión. Consiste en la exageración artificiosa del lenguaje y de los recursos literarios con el fin de crear un mundo de belleza absoluta y para el deleite de una minoría culta. La metáfora es la base de la poesía culterana. Es un recurso usado de forma constante con el que se pretende, mediante el empleo de un lenguaje figurado, embellecer la realidad. Otra característica del culteranismo es la latinización del lenguaje, que se consigue fundamentalmente por el uso abundante de latinismos y neologismo, y por el empleo del hipérbaton, lo que hace difícil su comprensión.

3.2.-Conceptismo:

El conceptismo predominó en prosa y su mayor representante fue Quevedo. Se basa en las asociaciones ingeniosas de ideas, palabras y conceptos. Al igual que en el culteranismo se escribe para unos pocos privilegiados, pero no se busca la dificultad mediante palabras difíciles sino mediante el doble sentido de las palabras. El conceptista considera un ideal el decir muchas cosas en pocas palabras. Son frecuentes los juego de palabras por medio de dilogías (palabras con dos posibles significados), de la paranomasia (empleo de palabras con semejante fonética) y de retruécanos (contraposición de palabras o frases).

3.-Popularismo:

El popularismo se caracteriza por ser una poesía que puede leer y comprender todo el mundo. Sin embargo, el popularismo, no debe ser confundido con el vulgarismo, pues el pueblo al que se dirige el poeta no tiene nada que ver con el vulgo, sino que pueblo se considera como una comunidad de patricios y plebeyos asociados por ideas, tradiciones e intereses comunes. En el popularismo se podría destacar a Lope de Vega.

4.-Clasicismo:

El clasicismo es una corriente estética e intelectual que tuvo su apogeo en los siglos XVII y XVII, y que supuso una vuelta hacia las formas clásicas (griegas y romanas). Esta vuelta no es sólo en las formas y estilos, sino también una vuelta temática. Era un arte más realista y cercano en cuanto a la forma, lo que se conjugó con temáticas más paganas, aunque a menudo cristianizadas. Entre sus principales cualidades se encuentra el control consciente en el desarrollo de los temas y el sentido de ordenamiento racional y proporción formal. Se produjo un predominio de la razón sobre el entendimiento que eliminó la pintoresca trivialidad, la mezcla de lo burlesco y lo sublime tópicamente medieval. Se produjo una latinización del lenguaje, se utiliza un lenguaje clásico.

En el clasicismo podemos destacar a los Hermanos Argensola (Lupercio y Bartolomé). Tienen características comunes y propias de la poesía aragonesa, lo que se llamó el clasicismo aragonés. El clasicismo de Bartolomé se entronca con la poesía latina, sin seguir las corrientes conceptistas ni culteranas de la época. Con respecto a Lupercio destaca, además de por su obra poética, por ser uno de los iniciadores del teatro español.

5.-Realismo:

El realismo es una corriente en la que los autores pretenden crear obras que nos puedan servir de testimonio sobre la sociedad de su época. Por ello describen todo lo cotidiano y típico, prefieren los personajes vulgares y corrientes, y el lenguaje se reproduce tal cual se pronunciaba, sin corrección alguna. El autor analiza, reproduce y denuncia los males de su sociedad; se intenta mostrar los aspectos más desagradables de la realidad.

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El Lazarillo de Tormes

Es una novela anónima, cuyo título completo es “La vida de Lazarillo de Tormes, y de sus fortunas y adversidades” e inicia el género de la novela picaresca y también la novela moderna. Las tres primeras ediciones conocidas son del año 1554, aunque se cree en la posibilidad de que el relato haya sido escrito mucho antes de su publicación (posiblemente sobre el año 1538).

Es una novela muy breve dividida en un prólogo introductor y siete capítulos llamados tratados. El argumento de la obra puede resumirse así: “Lázaro, un muchacho que pertenece a la clase social más baja, nos cuenta de modo autobiográfico su vida, comenzando por su nacimiento. Siendo un niño, es entregado por su madre como criado a un mendigo ciego y cruel, con quien despierta de la inocencia infantil. Una vez que abandona al ciego, su nuevo amo es un clérigo avaro, con el que pasa más hambre que con el anterior, y al que Lázaro roba los panes que guardaba en su arca. Después sirve a un escudero pobre y vanidoso al mismo tiempo, y que desaparecerá al huir de sus acreedores. Los siguientes amos son un fraile de la Merced, un buldero, un capellán y un alguacil. Finalmente consigue trabajo como pregonero en Toledo y se casa con la criada del arcipreste de San Salvador.
La característica principal de la obra es su carácter autobiográfico. Aunque no es la simple autobiografía de un pícaro, sino la historia de la educación social de un individuo, de la formación del sistema de valores de un miembro de la sociedad. La personalidad de Lázaro se nos va mostrando a lo largo de un proceso de adaptación y aprendizaje. El protagonista entra en la obra siendo un niño inocente y sale como un verdadero cínico, ladrón y pícaro, educado en la astucia y en el engaño.
El Lazarillo de Tormes tiene forma epistolar; el relato adopta la forma de una carta escrita por Lázaro a “vuestra merced”, un señor desconocido con superior condición social debido al trato que se le hace, que pide a Lázaro que le cuente cosas sobre su vida.
Rompe con los esquemas literarios de la época, ya que el protagonista es un muchacho de bajo origen que tiene que luchar para sobrevivir, representa la imagen del antihéroe. El tema principal de la novela es el hambre, ya que todos los problemas de la novela ocurren por el hambre de Lázaro, que utiliza su ingenio para conseguir alimento.
La obra es una ficción realista que hace verosímil lo que cuenta, mediante las continuas alusiones a la vida cotidiana de la época, las descripciones, la caracterización de los personajes…
Como Lázaro es quien cuenta la historia el autor recurre al habla común de la época, de ahí que abunden los vulgarismos y un estilo coloquial, con el que se intenta un acercamiento a la situación existencial del protagonista y de su medio ambiente.
En la obra destaca el humor, la ironía, la parodia y la sátira. El autor utiliza ésta última para criticar y ridiculizar al clero y a la sociedad de la época. Motivo por el que seguramente el autor prefirió permanecer en el anonimato y por lo que la obra fue prohibida por la Inquisición.

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La mística: Fray Luis de León y San Juan de la Cruz

La literatura religiosa puede manifestarse en tratados en prosa sobre materias espirituales o bien en poemas cargados de espiritualidad. De ambas maneras se expresaron las formas de vida religiosa, denominadas ascética y mística.

• La ascética trata de perfeccionar a las personas incitándolas al cumplimiento estricto de las obligaciones cristianas e instruyéndolas en ello. (Fray Luis de León)
• La mística trata de expresar los prodigios que algunos privilegiados experimentan en su propia alma al entrar en comunicación con Dios. (San Juan de la Cruz)

FRAY LUIS DE LEÓN

Fray Luis de León representa al escritor de carácter intelectual que mejor sintetiza la unión entre Humanismo y religión, entre la visión de la belleza y la concepción moral de la realidad.

Escribió en verso y en prosa, pero se le conoce principalmente por su obra lírica. Las poesías de Fray Luis no llegaron a cuarenta, aunque tradujo textos de autores clásicos e italianos, y también textos de fragmentos bíblicos. Su poesía no fue publicada mientras estaba vivo, la primera edición de sus poemas, la hizo Francisco de Quevedo en 1631.

Los temas más habituales son el deseo de la soledad y del retiro en la naturaleza, la búsqueda de paz espiritual y de conocimiento (lo que él llamó la verdad pura sin velo), la contemplación del equilibrio natural y la comunión con la armonía del universo, que refleja la armonía divina.

Su estilo es sobrio y sencillo al emplear recursos estilísticos. No abundan las imágenes ni los adornos. Recurre habitualmente a las parejas de palabras unidas por un nexo o una coma (geminaciones) y emplea con frecuencia las interrogaciones y admiraciones que pretenden expresar la emoción contenida en la reflexión. En su estilo destacan la claridad, la armonía y la dulzura.

Podemos ordenar la poesía de Fray Luis de León en: poemas de corte horaciano, en los que se desarrolla el tópico del beatus ille; poemas de influencia platónica y pitagórica, en los que trata el tema de la contemplación de la armonía y del orden universal; poemas religiosos; poemas morales y poemas patrióticos.

SAN JUAN DE LA CRUZ

Juan de Yepes, canonizado posteriormente con el nombre de San Juan de la Cruz, nació en Ávila en el año 1542. Ingresó en la orden del Carmelo y luego estuvo estudiando en Salamanca. Llevó una vida de gran actividad y de enorme empeño reformador. Por esta actitud estuvo en prisión, de donde escapó y se refugió en un monasterio. El resto de su vida lo pasó en Andalucía entregado a la vida en soledad, murió en Jaén en 1591.

Se le considera como el máximo exponente de la poesía mística. La poesía de San Juan de la Cruz está totalmente desligada de la realidad. Sus poemas se componen de imágenes que sugieren percepciones intelectuales, en las que la naturaleza sólo es un elemento simbólico, se emplea como alegoría. Toda su doctrina gira en torno al símbolo de la “noche oscura”, imagen que ya era usada en la literatura mística, pero a la que él dio una forma nueva y original. La noche, al borrar los límites de las cosas, le sugiere lo eterno, y también la utiliza como un símbolo de la soledad del alma llena de tentaciones, que si logra vencer, dejarán paso a la luz divina. San Juan también llama “noche oscura” a las terribles pruebas que Dios envía al hombre para purificarlo. Es una poesía de evasión de la realidad, que expresa únicamente un sentimiento espiritual: el amor a Dios. Su producción refleja una amplia formación religiosa, aunque deja traslucir la influencia del cancionero tradicional del siglo XVI, sobre todo en el uso del amor profano (las figuras del amante y de la amada) para simbolizar y representar las sensaciones producidas tras la unión mística con Dios.
La estrofa más empleada en sus poemas es la lira, aunque demuestra igual soltura en el uso del romance octosílabo. Lo que mejor define su poesía es su extraordinaria intensidad expresiva, gracias a la perfecta adecuación y el equilibrio de cada una de sus imágenes. También su tendencia a abandonar el registro discursivo y eliminar nexos neutros carentes de valor estético para buscar una yuxtaposición constante de elementos poéticos.

Su poesía se puede resumir en tres poemas: la Noche oscura del alma; el Cántico espiritual o Canciones entre el alma y el Esposo; y Llama de amor viva. Los versos que de él se conservan son escasos y no fueron publicados hasta después de su muerte.

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La poesía renacentista: Garcilaso de la Vega

En la poesía renacentista se intenta crear una literatura basada en la belleza formal mediante el empleo de un lenguaje poco artificioso. La poesía petrarquista italiana será muy utilizada por los autores españoles, sobre todo por Juan Boscán, Garcilaso de la Vega y posteriormente por Fernando de Herrera. Relacionado con el aspecto formal, de Petrarca se adopta: la gran belleza en la composición y en el estilo de los poemas, el uso de un vocabulario exquisito y de enorme lirismo, y el empleo de formas métricas, la mayoría nuevas en la poesía española.

En la literatura española, la innovación rara vez sustituye por completo a las tradiciones establecidas; se unieron las nuevas influencias italianas y la tradición nacional, surgiendo la poesía ascética y la mística.

El verso más utilizado será el endecasílabo, que posee mayor elegancia y ritmo para la expresión de los nuevos temas. Las estrofas utilizadas serán el soneto, el terceto, la octava real, la lira, la canción y la silva. Los tipos de composición más habituales pasarán a ser de procedencia clásica: la oda, la égloga, la elegía y la epístola. La elaboración será cuidada pero sencilla.

Uno de los temas más tratados es el amor, que unas veces produce tristeza e insatisfacción y otras es la fuente purificadora y regeneradora del espíritu del hombre. También se trata el tema de la naturaleza, concebida como un símbolo de armonía; y los mitos.

GARCILASO DE LA VEGA

Garcilaso de la Vega nació en Toledo en el año 1501 o 1503. Cuando ya estaba casado con doña Elena de Zúñiga, conoce y se enamora de Isabel Freyre, que se convierte en fuente de inspiración de gran parte de sus composiciones amorosas. Cuando Isabel Freyre se casa, Garcilaso cae en una profunda crisis sentimental. Muere en 1536 en el asalto a la fortaleza de Muy (Provenza). Garcilaso encarna el ideal cortesano de la época al unir en su persona al poeta y al militar.

Con Garcilaso se abre una nueva dimensión en la poesía castellana. Junto con Boscán fue el primero en introducir en la poesía las nuevas concepciones renacentistas que eran prácticamente desconocidas en España.

Su obra es breve; se conservan unos cuatro mil versos repartidos en cuarenta sonetos, tres églogas, cinco canciones, dos elegías, una epístola, ocho coplas y dos odas latinas.

Los temas de las elegías y de los sonetos son la idealización del amor y la expresión de los sentimientos más íntimos del poeta. Entre los sonetos destacan los de carácter mitológico, el que expresa el dolor por la muerte de doña Isabel y el que desarrolla el tema carpe diem.

Es en las églogas donde la poesía de Garcilaso alcanza su perfección. En ellas unos pastores idealizados expresan sus lamentos amorosos. Destaca la égloga I donde el poeta expresa el dolor que le causó el matrimonio y la muerte de Isabel.

El tema principal de sus obras es el amor idealizado, platónico, sobre todo hacia Isabel Freyre. Para Garcilaso el amor es sinónimo de sufrimiento y
dolor, al no ser correspondido. El otro tema capital de la lírica de Garcilaso es la naturaleza, también idealizada, en la que todo tiende a producir una sensación de armonía y serenidad. Juntos a estos dos temas principales, no podía faltar en un poeta renacentista la continua referencia a los temas mitológicos.

El estilo de Garcilaso se caracteriza por la naturalidad. Sus versos están dotados de una musicalidad suave y armoniosa y de un ritmo pausado. Emplea la hipérbaton, imitando la sintaxis latina, lo que favorecía la rima; otras figuras muy utilizadas son la metáfora, la aliteración y el epíteto

Sus versos no se imprimieron en vida del autor, sino que fue su amigo Juan Boscán quien los publicó junto con sus obras, con el título de “Las obra de Boscán y algunas de Garcilaso”. Como las obras de Garcilaso gustaban más que las de Boscán, los editores decidieron publicarlas independientemente.

La trascendencia de la obra de Garcilaso procede de haber introducido el verso endecasílabo en España, así como la poesía petrarquista.

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